ГАЛЕРЕЯ МИР АРТ
АНТИКВАРНЫЕ И СОВРЕМЕННЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА
+7 (926) 674-74-22
+7 (917) 523-30-17

Стили и жанры в искусстве

 

КЛАССИЦИЗМ КАК ОБРАЗЦОВЫЙ СТИЛЬ ИСКУССТВА

МАНЬЕРИЗМ - ГЛАВЕНСТВО ФОРМЫ НАД СОДЕРЖАНИЕМ

КОЛОНИАЛЬНЫЙ СТИЛЬ - ГАРМОНИЧНОЕ СОЕДИНЕНИЕ РАЗНЫХ КУЛЬТУР

ВАРВАРСКАЯ ГОТИКА

ПОСЛЕДНИЙ ВЕЛИКИЙ СТИЛЬ (Арт деко)

ИМПЕРАТОРСКАЯ РОСКОШЬ АМПИРА

АВАНГАРД - ПЕРЕДОВОЙ ОТРЯД

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

РЕНЕССАНС - МИРОВАЯ ЭПОХА В ИСТОРИИ КУЛЬТУРЫ

ЗАТЕЙЛИВОСТЬ И ИЗЯЩЕСТВО СТИЛЯ РОКОКО

ЛИТОГРАФИЯ - РИСУНОК НА КАМНЕ

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТЬ ОФОРТА

НАТЮРМОРТ - ВРОВЕНЬ С ДРУГИМИ ЖАНРАМИ

НЕЦКЕ

СЛОНОВАЯ КОСТЬ

 

КЛАССИЦИЗМ КАК ОБРАЗЦОВЫЙ СТИЛЬ ИСКУССТВА

 

Классицизм начал развиваться во Франции с XVII века и завершился в XIX веке. В переводе с латыни означает «образцовый». Этот смысл полностью определяет стилистику классицизма - гармонию, стремление к безупречности, согласие с определенными правилами.

Основой классицизма как направления европейского искусства стиля являются античные нормы прекрасного и опора на традиции высокого Возрождения. В подавляющем большинстве художественных училищ мира классицистическую манеру рисунка и живописи изучают как основу профессионального мастерства.

В основе эстетики классицизма лежат рационалистские идеи Р. Декарта и картезианства. Художники эпохи классицизма стремились к идеальному эстетическому и этическому эталону. Согласно их взглядам, художественное произведение - это плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью жизни. Эстетической ценностью для классицизма обладает лишь непреходящее, неподвластное времени. Классицистический образ тяготеет к образцу, в котором жизнь остановилась в своем идеально вечном облике.

Во время доминирования  классицизма образуется иерархия жанров. Высокому жанру живописи соответствуют исторический, религиозный и мифологический сюжеты. К низкому, бытовому жанру относятся портрет, натюрморт и пейзаж.

Классицизм как течение предполагал регламентацию творческих законов: художественное произведение создавалось по строгим, обязательным канонам и должно было выполнять воспитательную функцию.

Откровенные чувства и эмоции считали неуместными и даже уродливыми. Мастера классицизма идеализировали в том числе человека. Люди, запечатлённые на картинах, напоминают скорее скульптуры: они «застывают» в красноречивых позах, мужские тела атлетичны, а женские фигуры женственны. Эта манера, заимствованная у древнегреческих скульпторов, объясняется тем, что в античные времена человек преподносился как идеально творение бога без изъянов и недочётов.

Основоположником стиля принято считать живописца Никола Пуссена (1594-1665), чьи произведения построены на возвышенных философских сюжетах. Его заказчики принадлежали к кругу буржуазных интеллектуалов Парижа, увлекавшихся философией античных стоиков. Темы пуссеновских полотен разнообразны: мифология, история, Ветхий и Новый Завет. Герои Пуссена — люди сильных характеров и величественных поступков, высокого чувства долга.

Пуссен явился создателем классического идеального пейзажа в его героическом виде. Пейзаж Пуссена — это не реальная природа, а природа «улучшенная», созданная художественным вымыслом живописца. Его картины, холодные, суровые, умозрительные, называли «замерзшими скульптурами». Образцом для них послужила античная пластика и мир античных героев.

Скульптура эпохи классицизма давала мастерам возможность идеализации воинской доблести и мудрости государственных мужей. Верность античному образцу требовала от скульпторов изображения моделей нагими, что вступало в противоречие с принятыми нормами морали. Чтобы разрешить это противоречие, современники изображались скульпторами классицизма в виде обнажённых античных богов. При Наполеоне вопрос решился путём перехода к изображению их в античных тогах.

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов. Четкая разграниченность планов в пейзажах выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричневым, средний - зеленым, а дальний - голубым.

 

МАНЬЕРИЗМ - ГЛАВЕНСТВО ФОРМЫ НАД СОДЕРЖАНИЕМ

 

Маньеризм - название, условно обозначающее стилистические тенденции, а так же определенный этап в развитии европейского, главным образом итальянского, искусства середины и конца XVI века (длился около 25 лет). Название «маньеризм» (от слова «манера») стилю дали современники, воспринимавшие его как манерничанье - обращение к недавнему прошлому, повторение его лучших достижений. 

Искусство Маньеризма в целом характеризуется главенством формы над содержанием.  Изысканная техника, виртуозность манеры, демонстрация мастерства не соответствует скудости замысла, вторичности и подражательности идей.

Маньеризм позиционируется как переходный стиль от классических массивных, монументальных форм в декоре интерьеров эпохи Возрождения (Ренессанс) к стилю новому, пропагандирующему пышность и величие, роскошь и пафос - стилю Барокко.

Для Маньеризма характерны: удлиненность фигур, напряженность поз (контропост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, и яркие цвета.

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах. Стиль был отчасти порожден кризисными явлениями в общественно-политической сфере, характерными для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.

Маньеризм стали называть стиль, воспринятый школами итальянского искусства, прежде всего римскими, в период между эпохами Высокого Возрождения и Барокко (около 1520 - около 1600 г.).

Этот этап отражал кризис художественных идеалов эпохи Итальянского Возрождения. В стиле маньеризм присутствует усталость стиля, исчерпанность его жизненных источников. Именно поэтому этот термин часто толкуют более широко, называя маньеризмом последнюю, кризисную фазу развития любого художественного стиля в различные исторические эпохи.

Маньеризм стал популярным благодаря художнику и биографу 16 века Вазари, который характеризовал им высокую степень грациозности, уравновешенности и утончённости в искусстве.

Однако с 17 века большинство критиков, полагая, что итальянское искусство 2-й половины 16 века переживало упадок по сравнению с вершинами, достигнутыми в период Высокого Возрождения (Ренессанс) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем, термин “Маньеризм” относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску.

Впервые после Ренессанса с таким трудом достигнутая гармония содержания и формы, изображения и выражения стала распадаться из-за чрезмерного развития и эстетизации отдельных элементов, изобразительных средств: линии и силуэта, красочного пятна и фактуры, штриха и мазка.

Красота отдельно взятой детали становилась важнее красоты целого. Этот путь неизбежен для эволюции форм любого художественного стиля, но величайшая по своим художественным достижениям эпоха Возрождения создала и выдающийся Маньеризм.

О Маньеризме принято говорить, начиная с Рафаэля, когда он отказался от предельно ясных и уравновешенных средств выражения, свойственных Высокому Возрождению, и начал работать в более изощренной манере.

Маньеризм в архитектуре также трудноопределим, как в живописи и скульптуре, но часто подразумевает осознанное презрение к установленным правилам и классическим традициям. Маньеризм в архитектуре выражает себя в нарушениях ренессансной сбалансированности; использовании архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений, элементов гротеска. Гротеск в данном случае не причудливое, комичное и ужасное смешение и доведение до предела сочетания реального и фантастического, а следование образцам настенной росписи, найденным при раскопках античного Рима (гротескам, то есть произведениям искусства, найденным в гротах).

В интерьер в стиле маньеризма  преобладают орнаменты, насыщенные гротеском, причудливые, фантастические образы.  Повсеместно используя изобразительное искусство в оформительстве, художники этого периода постоянно обращаются к аллегорическим образам, символике и эмблематике, с целью создания образов близких духу светского общества.

В интерьерах в стиле маньеризм первое, что обращает на себя наше внимание, – это использование  росписи. Притом не только картин (фресок), написанных прямо на стенах помещений, но и орнаментов. Мало того, маньеристы в экстазе украшательства выписывали на потолках и стенах псевдолепнину, на взгляд неотличимую от настоящей, псевдобарельефы и даже псевдостатуи. Это отнюдь не было продиктовано экономией. Для людей, заказывавших украшение своих дворцов, ничего не стоило прикупить пару-другую работ знаменитых современных им скульпторов или резчиков по камню. Просто это было модно. По тем временам недолго, всего каких-то двадцать пять лет. Но за эти годы многие римские дворцы приобрели вид дорогих шкатулок, где почти все было обманным.

Вслед за нарисованной лепниной появились стены из написанного крупными мазками разноцветного мрамора. А на этих стенах открылись нарисованные окна и притаились не менее ложные двери и портьеры, настолько натурально исполненные, что, только прикасаясь к ним, понимаешь: все обман.

Внутренние помещения вовсю заполняют орнаменты. И откровенно нарисованные, и имитирующие резьбу и лепные украшения. Орнаменты просто царят, так как выразительность линий становится почти самоцелью. Мир распадается на цветовые пятна, штрихи и мазки, складывающиеся в новые формы. В отделке интерьеров вовсю играют перспективой, выдуманными источниками света и неожиданными, не всегда настоящими плоскостями и объемами. Красота и выразительность деталей становится куда важнее, чем единство целого.

    Оформляя интерьер в стиле маньеризм, обратите внимание на возможность сделать в интерьере различные «обманки», например, несуществующие окна или двери.

    Подбирая мебель, остановите свой выбор на предметах, инкрустированных золотом, серебром или бронзой, или более дешевыми копиями. Мебель должна выглядеть дорого и вычурно.

    Аксессуары также должны смотреться очень дорогими. Хорошо подойдут антикварные вещи XVI-XVII веков с драгоценными материалами или их копии.

  

КОЛОНИАЛЬНЫЙ СТИЛЬ - ГАРМОНИЧНОЕ СОЕДИНЕНИЕ РАЗНЫХ КУЛЬТУР

 

Колониальный стиль - современное направление в интерьере и зодчестве, возникшее во 2-й половине 17-го века. К концу 19-го столетия наблюдалось значительное развитие колониального движения, продлившееся до середины 20-го века.

Главной чертой его является смешение нескольких культур и этнических традиций, которые гармонично сочетаются между собой. Появляются новые техники для изготовления строительных материалов, мебели, посуды, домашней техники и прочих бытовых деталей.

Некоторые европейские страны в конце 19-го века начали расширять свои территории, за счет чего образовывались колонии в североамериканских и восточных странах. В это время начинается активное перемещение европейцев, которые привозили в колонии традиции  Запада, а влияние местной культуры увозили обратно на родину. Так возник колониальный стиль, который характеризуется как смешение множества культурных и национальных традиций в единое стилевое направление.

Испанские традиции сливались с латиноамериканскими, а азиатские - с английскими и французскими.  Очень заметно в колониальном стиле влияние классицизма и готики. Несмотря на смешение разных культурных традиций, применение текстиля, например  все равно остается навеянным с английского стиля, а массивность сооружения можно присвоить вычурности викторианской и античной эпохи.

Конечно, колониальный стиль лишен богатства барокко, но в то же время он сохраняет уютность появившегося позже стиля кантри. В современных направлениях интерьера и архитектурного строения очень модно применять на практике опыт прошлых веков.

Колониальный стиль популярен для построек загородных домов, а особенности интерьерных решений применяются также при обустройстве квартир в крупных городах. 

Колониальный стиль прекрасно подходит для обустройства спален, гостиных или кухонь. Он направлен не только на создание привлекательного интерьера, но еще и подразумевает функциональность и удобство каждой детали.

Для этого стиля характерны естественные оттенки - охра, оливковый, золотой цвет-пришел к нам из стиля рококо, терракотовый, цвет «старого» дерева.

Настенные покрытия выбирают преимущественно светлых тонов - пастельный, белый или бежевый. В интерьере колониального стиля присутствует комбинирование кирпичной кладки, бамбука и древесины.

Обязательным элементом в организации освещения является центральная люстра. Зачастую она представляет собой кованую конструкцию с пирамидальными или округлыми плафонами. Также используются светильники в арабском или африканском стиле.

По периметру комнаты устанавливается значительное количество осветительных приборов – дом должен хорошо освещаться в любое время суток. Интерьер комнат декорируется мебелью в колониальном стиле.

Гарнитуры изготавливаются из различных пород дерева - разновидности азиатского ореха, тик, ротанговая пальма, тюльпанное, каучуковое и красное китайское дерево. Особенностью мебельных гарнитуров этого направления является наличие плетеных вставок.

Для обивки служат яркие ткани (небеленое полотно) с рисунками больших размеров (растительные мотивы). Мягкие подушки покрываются сменными чехлами с этническими изображениями. Мебель выполнена в темных тонах, что выгодно подчеркивает контраст между гарнитуром и светлыми стенами.

Также используются всевозможные аксессуары, среди которых могут быть маски. Декоративная посуда. Оружие. Чучела птиц и мелких лесных животных. Деревянные сундуки. Культовые элементы. Бронзовые, стеклянные или керамические статуэтки. Подсвечники. Вазы различных размеров, украшенные рельефами и красочными рисунками. Декоративные ковры. Фотографии в деревянных рамках. Все это помещается на полках деревянных массивных шкафов или каминной полке, на поверхности стен или пола.

Колониальный стиль призван создавать экзотическую атмосферу, поэтому для декорирования помещений следует выбирать необычные предметы.

Колониальный стиль зародился в середине 17-го веке и с тех времен видоизменялся и совершенствовался с каждым годом. В нем соединены черты множества различных стилевых направлений, которые в гармоничном соединении друг с другом являют собой единый стиль.

В отличие от скандинавского стиля и минимализма, колониальное направление содержит массу деталей в декорировании помещений. Сегодня этот стиль широко используется при создании интерьеров в квартирах и построении жилых домов.

 

ВАРВАРСКАЯ ГОТИКА

 

Готский стиль (от итал. gotico, букв. - готский, от названия германского племени готов), художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой 12 и 15-16 в.).

Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как обозначение всего средневекового искусства, считавшегося «варварским». С начала 19 в., когда для искусства 10 - 12 в. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символико-аллегоричный тип мышления и условность художественного языка.

От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преим. витражей). Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикаль его башен и сводов, подчинение скульптуры динамичным архитектурным ритмам, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих.

Развитие искусства готики отражало и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил - городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов.

Готика зародилась в середине XII века на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше - вплоть до XVI века.

Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей.

Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период. В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Но при этом готическая скульптура - неотъемлемая часть ансамбля собора, она - часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитектурными элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл.

Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее - наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло. На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры.  Развивается жанр портрета - вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами.

 

ПОСЛЕДНИЙ ВЕЛИКИЙ СТИЛЬ (Арт деко)

 

Арт деко (Art Deco, ар деко) - стиль декоративно-прикладного искусства и дизайна, распространенный в Западной Европе 1920-30-х годах.

Арт деко - это сочетание многих направлений: в нем есть и египетские мотивы, и греческая архаика, и примитивное искусство африканских племен, авангардная простота и вместе с тем экзотика. Арт Деко отчасти является продолжением стиля модерн, хотя от него «отпали»  плавные линии и флористические узоры арт нуво - остались только резкость, угловатость, геометрия или абстракция - первые элементы хай-тека.

В стиле Арт-Деко создавались картины, скульптуры, предметы мебели, а также здания и сооружения.

Стиль арт деко получил своё название на выставке в Париже в 1925 году. Этот стиль всегда был очень изысканным и дорогим, даже в момент своего появления в 1920-е годы, недаром его называют стилем миллиардеров. Предметы в стиле ар деко отражают любовь к шику и изысканной красоте,  возникшую  на Западе после Первой мировой войны, и одновременно напоминают про дух свободы, витавший в воздухе 1920-х годов.

Эти произведения до сих пор воспринимаются как воплощение передовой дизайнерской мысли, органично вписываясь в стиль современных домов.  Тесно связанные с обстановкой, они задают настроение  всему интерьеру.

Любовь арт деко и современных ему направлений в искусстве - футуризма и конструктивизма - к геометрическим линиям, к передаче стремительного движения, скорости, была связана с новейшими достижениями техники, появлением машин и аэропланов.

Для него  характерно использование ценных материалов: бронзы (отливки из неё  полировались, прочеканивались и покрывались декоративной патиной), золота, слоновой кости. Но мастера кабинетной пластики арт деко использовали и менее дорогие материалы - сталь, алюминий, перламутр, эмаль, лак, поскольку для арт деко роскошь - не только дороговизна, но и визуальное богатство.

Мастера арт деко любили противопоставлять сверкающую и гладкую металлическую поверхность фактуре редких пород камня, темное дерево инкрустировалось перламутром и латунью.

В изображении диких экзотических животных - пантер, львов, леопардов - нашло выражение увлечение экзотикой в искусстве и моде того времени.

В четких, лаконичных формах ощутимо влияние кубизма и футуризма.

На стилистику арт деко оказало влияние и открытие памятников архаического искусства Востока и Африки. Благодаря раскопкам мир познакомился с произведениями древней скульптуры, изумлявшей современников сдержанностью пластического языка.

Популярны были изображения звезд спорта, театра и кино, исторических и литературных персонажей,  изображения детей, дам в сопровождении борзых собак, в гамаке или с теннисными ракетками, и прочие повседневные и спортивные сцены.

В моду вошла эротическая скульптура:  художники воплощали образ эмансипированной женщины своей эпохи,  завоевавшей право на свободное и даже вульгарное поведение.

Существовало также массовое производство функциональных вещей для интерьера: настольных ламп (масляных или электрических), держателей для книг (букендов), также являвших собой более или менее ценные образцы кабинетной скульптуры арт деко. Все произведения были созданы в период 1920-1940 г., когда стиль был на вершине популярности.

 

ИМПЕРАТОРСКАЯ РОСКОШЬ АМПИРА

 

АМПИР (от франц. Empire - «империя») - стиль в архитектуре и декоративном искусстве трех первых десятилетий XIX века, завершивший развитие классицизма. Более величественный, чем классика, менее вычурный, чем барокко, традиционный и немного напыщенный, стиль ампир сложился в в эпоху Наполеона Бонапарта во Франции, и ассоциируется с характером императора, стремившегося к славе римских правителей.

Основной идеей стиля стало восхваление императорской власти и самого Наполеона. Искусство строго регламентируется властью. В ампирном декоре существовала строгая система образов: например, пчела, окруженная лавровым венком, обозначала Наполеона, а лебедь - императрицу Жозефину.

Основоположником моды на ампир стал живописец Жак Луи Давид. В 1800 году он написал портрет мадам Рекамье, которую «одел» в римскую тунику. На картине она была изображена на кушетке с изогнутым изголовьем в императорском стиле. Рядом художник изобразил светильник в древнеримском стиле. Эту картину можно считать началом «царствования» нового стиля.

Ампир насаждался во всех странах, куда император Наполеон ходил с военными походами. Но доминировал этот величественный стиль не очень долго - примерно с 1799 по 1814 год. После падения Наполеона популярность ампира пошла на спад. Но парадоксально - прижился он главным образом в России времен Александра I. Это объясняется тягой русской элиты ко всему французскому. Император даже приглашал иностранных архитекторов для создания дворцов во французском стиле.

Ампир - официальный имперский стиль: архитектура, живопись, декоративные предметы интерьера - все должно было воспевать императора и государство, которое он построил, быть символом государственного могущества и воинской силы.

Типичные ампирные сюжеты в живописи: битвы, портреты правителей в полном обмундировании, часто верхом или во время парадов. Это сцены баталий, мечи, щиты и прочее подражание стилю Римской империи. Во всех пропорциях - строгость, преобладающий цвет - синий, белый или золотой.

Основные декоративные мотивы стиля ампир: наследие императорского Рима - легионерские знаки с орлами, связки копий, щитов, пучки стрел, лекторские топоры. Распространены были и египетские мотивы - после Египетского похода Наполеона в 1797 году в Европе вошел в моду Восток вообще и Древний Египет в частности. Соответственно, мебель покрылась изображениями сфинксов, ибисов и иероглифами. 

Два главных ампирных орнамента - это классический акант, декоративная форма в виде стилизованных листьев или стеблей акантуса, и  пальметта, веерообразный орнамент в виде пальмового листа - дань той же египетской моде.

Еще один верный признак ампира - львы, орлы и змеи, животные, ассоциирующиеся с мужеством, силой и мудростью. Их стилизованные головы и лапы украшали подлокотники и ножки мебели,  спинки и боковины кресел и диванов нередко имели форму орлиного крыла. Ампирную мебель, как правило, изготавливали из красного дерева, украшая бронзовыми, серебренными и золотыми накладками. 

С приходом стиля ампир интерьеры и предметы мебели становятся тяжеловесными. Торжественность оформления подчеркивают обилие колонн, элементы античной, как правило,  древнеримской архитектуры. Часто используются триумфальные арки.

Сегодня элементы ампира могут присутствовать в оформлении официальных помещений, предназначенных для торжеств. В интерьере неотъемлемые элементы ампира - военная символика, что придает дополнительную помпезность и парадность интерьеру. В интерьере используется много бронзы и патинированного металла. Из бронзы изготавливаются светильники, вазы, часы, декор мебели.

Имперский стиль наполняет интерьер возвышенной красотой и царской роскошью, создает атмосферу величия и незыблемости. Ампир - это благородный стиль, наглядно демонстрирующий высокий статус владельца.

 

АВАНГАРД - ПЕРЕДОВОЙ ОТРЯД

 

Авангард - направление в изобразительном искусстве, в основе которого лежит отказ от классических канонов и традиций и эксперименты с новыми формами и образами. Авангард возник в начале XX века и был тесно связан с модерном и модернизмом, в рамках которых зародилось начало пересмотра классических традиций. Идеи авангардизма получили развитие практически во всех направлениях искусства отличающихся стремлением к новым решениям в реализации творческих идей: футуризме, сюрреализме, абстракционизме, экспрессионизме, кубизме, супрематизме, конструктивизме, фовизме и пр.

Изначальное значение французского слова «авангард» на удивление мало имеет общего с искусством и уж тем более с изобразительным. «Передовой отряд», термин, скорее военный, нежели художественный, однако такое определение как нельзя лучше отражает настроения живописцев-экспериментаторов. Отказ от условностей классической живописи, создание новых форм и нахождение нестандартных решений - вот основной лейтмотив новаторских творений в духе авангардизма.

Авангард как направление искусства не имеет стилистического единства. Признаком принадлежности отдельного художника к передовому отряду экспериментаторов является неклассическая реализация творческих идей и непримиримое отношение к сложившимся стереотипам. Истинный авангардист создает не просто объект искусства, а красноречивое противопоставление с нескрываемым настроем в русле активной полемики.

Существует мнение, что художественное мышление в стиле авангард является типичным для прогрессивного века и логическим следствием развития цивилизации. В рамках такого мышления на смену гуманистическим идеалам приходят сугубо прагматические ценности. Эта точка зрения была сформулирована и описана Шпенглером в его работе "Закат Европы".

Произведения авангардного творчества отличает идеологический замысел художника.

Интересно, что авангардисты сравнительно всеядны. Отдельные направления авангарда могут вдохновляться народным африканским искусством или искусством древних мировых цивилизаций, в то время как другие - черпать вдохновение в инновационных научных разработках или собственном подсознании.

Несмотря на то, что художественные творения в стиле авангард вызывают непредсказуемую реакцию зрителя, многие из них давно включены в сокровищницу величайших мировых произведений искусства. Среди признанных мастеров «передового отряда» можно отметить Казимира Малевича, Сальвадора Дали (Salvador Dali), Марка Шагала, Пита Мондриана (Piet Mondriaan), Пабло Пикассо (Pablo Picasso), Василия Кандинского и других.

 

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

 

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco "украшаю") - широкий раздел изобразительного искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни. Это понятие не сразу сформировалось в человеческой культуре. Изначально все окружающие в повседневной жизни человека предметы, не считались имеющими эстетическую ценность. Но в эпоху Возрождения к обыденным предметам отношение начало меняться. Это было связанно с появлением интереса человека к прошлому.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким характеристикам: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера]. Такими произведениями являются: плательные и декоративные ткани, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия.

В академической литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Виды декоративно-прикладного искусства:

Аппликация - способ получения изображения; техника декоративно-прикладного искусства.

Валяние - создание скульптур, аксессуаров и композиций из натуральной шерсти. В зависимости от применяемой техники различают сухое и мокрое валяние. Техника основана на уникальном свойстве шерсти сваливаться - образовывать войлок.

Вышивание - искусство украшать самыми разными узорами всевозможные ткани и материалы, от самых грубых и плотных, как, например: сукно, холст, кожа, до тончайших материй - батиста, кисеи, газа, тюля и прочее.

Вязание - процесс изготовления изделий из непрерывных нитей путём изгибания их в петли и соединения петель друг с другом с помощью несложных инструментов вручную или на специальной машине.

Шитьё - создание на материале стежков и швов при помощи иглы и ниток, лески и тому подобном. Шитьё одно из древнейших технологий производства, возникшее ещё в каменном веке.

Золотное шитьё - первоначально для драгоценной вышивки применялось волочённое золото. В X-XI веках его сменяют пряденые нити из позолоченной серебряной ленты, скрученной на льняную или шёлковую основу. Вышивка такими нитями получила название золотной. В ней также использовалась бить - плоская металлическая полоса, канитель - тонкая проволочка, свитая в спираль, и плетёный золотной шнур.

Лоскутное шитьё, лоскутное одеяло - лоскутная техника, лоскутная мозаика, текстильная мозаика - вид рукоделия, при котором по принципу мозаики сшивается цельное изделие из кусочков ткани.

Стёганые изделия, квилтинг - прошитые насквозь два куска ткани и положенный между ними слой ватина или ваты.

Цветоделие - изготовление женских украшений из ткани в виде цветов.

Ткачество - производство ткани на ткацких станках, одно из древнейших человеческих ремёсел.

Ковроткачество - производство ковров.

Выжигание - на поверхность какого-либо органического материала при помощи раскалённой иглы наносится рисунок.

Выжигание по дереву.

Выжигание по ткани (гильоширование) - техника рукоделия, подразумевающая отделку изделий ажурным кружевом и изготовление аппликаций выжиганием с помощью специального аппарата.

Горячее тиснение - технология художественной маркировки продукции методом горячего тиснения.

Обработка древесины кислотами.

Художественная резьба - один из древнейших и широко распространённых видов обработки материалов.

Резьба по камню - процесс формирования нужной формы, который осуществляется посредством сверления, полировки, шлифовки, распиловки, гравировки и так далее.

Резьба по кости - вид декоративно-прикладного искусства.

Витраж - произведение декоративного искусства изобразительного или орнаментального характера из цветного стекла, рассчитанное на сквозное освещение и предназначенное для заполнения проёма, чаще всего оконного, в каком-либо архитектурном сооружении или интерьере.

Декупаж - декоративная техника по ткани, посуде, мебели и прочему, заключающаяся в скрупулёзном вырезании изображений из бумаги, которые затем наклеиваются или прикрепляются иным способом на различные поверхности для декорирования.

Лепка, скульптура, керамическая флористика - придание формы пластическому материалу с помощью рук и вспомогательных инструментов.

Мозаика - формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

Плетение - способ изготовления более жёстких конструкций и материалов из менее прочных материалов: нитей, растительных стеблей, волокон, коры, прутьев, корней и другого подобного мягкого сырья..

Кружево - декоративные элементы из ткани и ниток.

Макраме - техника узелкового плетения.

Городецкая роспись - русский народный художественный промысел. Яркая, лаконичная роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и чёрной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери.

Полхов-майданская роспись - производство расписных токарных изделий - матрёшек, пасхальных яиц, грибов, солонок, кубков, поставок - щедро украшенных сочной орнаментальной и сюжетной росписью. Среди живописных мотивов наиболее часто встречаются цветы, птицы, животные, сельские и городские пейзажи.

Мезенская роспись по дереву - тип росписи домашней утвари - прялок, ковшей, коробов, братин.

Жостовская роспись - народный промысел художественной росписи металлических подносов.

Семёновская роспись - изготовление деревянной игрушки с росписью.

Хохлома - старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в округе Нижнего Новгорода

Витражная роспись - ручная роспись по стеклу, имитация витража.

 

РЕНЕССАНС - МИРОВАЯ ЭПОХА В ИСТОРИИ КУЛЬТУРЫ

 

Возрождение, или Ренессанс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento от лат. renasci "рождаться опять, возрождаться" - имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению и Новому времени. Приходится - в Италии  на начало XIV века (повсеместно в Европе - с XV-XVI веков) - последнюю четверть XVI века и в некоторых случаях - первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре, происходит её "возрождение" - так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета.

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры, в Византии никогда не забывавшейся. Так, под впечатлением от выступления византийского лектора, Козимо Медичи основал Академию Платона во Флоренции.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеров и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических  отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Тони Парамони, Пизано, Джотто, Орканья и других), но оно твёрдо установилось только с 1420-х годов. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Возрождение делят на 4 этапа: Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век), Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века), Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века),  Позднее Возрождение (середина XVI - 1590-е годы).

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, собственно и появился в Позднем средневековье, с византийскими, романскими и готическими традициями, этот период явился предтечей Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи, ок. 1459 г.

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отходит от преданий недавнего прошлого (средних веков), но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием всё сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть "Высоким Возрождением". Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках,  Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в "нервное" искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х годов там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Северное Возрождение - термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее - во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий. Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определённые специфические черты. В современной культурологии общепринято считать, что именно в литературе Возрождения наиболее полно выразились гуманистические идеалы эпохи, прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть "Северное Возрождение".

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Выдающиеся представители - Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.

 

ЗАТЕЙЛИВОСТЬ И  ИЗЯЩЕСТВО СТИЛЯ РОКОКО

 

Рококо - самый загадочный, уникальный стиль, господствовавший во времена французской аристократии. Это не просто стиль, а образ жизни и мышления высшего класса, в котором сконцентрировались особенности национальной психологии. Рококо - порождение исключительно светской культуры и, прежде всего, королевского двора. Причудливый и кокетливый, стиль рококо живёт и сейчас в интерьерах современных европейцев, довольствующихся роскошью и богатством. Французское слово rococo произошло от rocaille - т.е. "осколки раковины". Название стиль получил за свою затейливость, напоминавшую узоры камней и раковин. Зародилось рококо ещё в XVII столетии во времена правлении Людовика XIV - "короля-солнце", а превратилось в господствующий стиль уже в XVIII столетии, когда на престол взошёл Людовик XV (1720-1774). Именно в это время Франция становится богатой, роскошной страной, законодательницей мод, и занимает ведущее место в художественной и культурной жизни Европы. Вдохновителем стиля рококо считается Жан-Луи-Эрнест Месоньe, поскольку именно в его творениях впервые появились ассиметричные формы и необычные контуры причудливо изогнутой морской раковины.

До середины XIX века искусство рококо не выделялось как отдельное стилевое направление. Считалось, что это барокко в своём позднем развитии. Однако, являясь логическим завершением тяжеловесного барочного искусства, рококо трансформировал некоторые его идеи в нечто принципиально новое, непохожее на искусство своего предшественника. Таким образом, рококо, начавшись, как эволюция барочного направления, со временем стал самостоятельным художественным стилем, в какой-то мере даже антиподом искусства барокко. Изначально rocaille - это способ декорирования интерьера садовых гротов, фронтальных чаш, а "рокайльщиком" называли мастера, работающего в этой сфере. Постепенно термин просочился во все виды искусства, однако в большей мере стиль рококо выразился в интерьере. Для живописи и скульптуры характерны в основном эротические, мифологические и пасторальные сюжеты. Первым мастером картин в стиле рококо стал Ватто, в дальнейшем искусство развивается в творчестве Буше и Фрагонар. В рамках стиля развитие получил такой вид живописи, как декоративное панно. Ярчайшим представителем в скульптуре явился Фальконе, его бюстами и статуями украшались интерьеры.

Эстетика рококо сыграла важную роль и в других европейских странах: более всего в Австрии и Германии, чуть меньше - в Италии, Англии (роскошный викторианский стиль), Испании. В России рококо развивалось под влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Фальконе, Рослин). Также под этим влиянием в России работали такие великие мастера, как Растрелли, Ринальди (постройки в Ораниенбауме), Ухтомский, Рокотов, Левицкий. Именно в эпоху рококо произошёл расцвет графики. Главные черты и особенности стиля рококо: камерная декоративность; изящество и лёгкость; пастельные тона; деталь, как основной художественный приём; сюжеты из мифов и пасторалей; лепнина, орнамент, позолота (для интерьера).

Сегодня стилистика рококо проявляется главным образом в дизайне интерьеров. В нынешних условиях завитки и рокайли, присущие рококо, слегка упразднены; сейчас они присутствуют в основном на мебели, зеркалах и аксессуарах. Современную версию этого искусства можно смело называть минималистической, а скудность украшений сегодня - это дань моде, имеющей урбанистическую направленность. Сегодня дизайнеры интерьеров в основном используют стиль рококо не в чистом виде, а в комбинации с другими стилями, главным образом мешая с барокко и классицизмом. Искусство рококо в основном представлено только в деталях. В современной версии уже нет той нежной палитры оттенков, гармонирующих с золотом и серебром. Нынешние интерьерные решения - это более яркие стены, на фоне которых контрастирует светлая мебель. Часто применяется сочетание чёрно-белых цветов в оформлении под современный стиль рококо. Классическая мебель в этой стилистике получает более яркую, необычную обивку. На древесном ламинате интересно смотрятся мягкие шкуры животных, что тоже является комбинацией классики и рококо. Главное для современного рококо - это атрибуты и аксессуары: торшер с подвесками из хрусталя, зеркала, канделябры, которые подчеркнут настроение той эпохи.

Стиль рококо ориентирован на комфорт и уют интерьера. В убранстве комнат лежит печать доведённой до предела утончённости. Характерные черты интерьера помещений: изогнутые линии и ассиметричные формы; большая декоративная нагруженность; грациозная орнаментальность; большое внимание к мифологии; множество миниатюрных предметов прикладного искусства.

Приоритетные цвета - приглушённые, пастельные: жемчужный, серебристый, перламутровый, бледно-охристый, пастельно-розовый, зеленоватый и бледно-голубой. На фоне прозрачных, светлых красок интересно и причудливо смотрятся ажурные формы и сложный орнамент рококо. Всё вместе рождает праздничное, феерическое зрелище.

Для мебели в стиле рококо используется дерево, в основном орех и липа, так как эти породы прекрасно поддаются резьбе. Для отделки и декора - богато расшитые ткани, главным образом шёлк. Фарфор, керамика, золото - эти материалы просто созданы для экстравагантного и роскошного искусства рококо. В период его расцвета богатая знать увлеклась предметами, привезёнными с Востока. В моду входит китайский фарфор (посуда, вазы, статуэтки), шёлк и чай.

Резная деревянная мебель в стиле рококо миниатюрна, удобна, с закруглёнными очертаниями. Волнообразный декор, изогнутые ножки кресел и диванов сочетаются с нежной расцветкой обивки. В изобилии используются различные скамейки, кушетки, маленькие диванчики, секретеры и комоды. Именно в эпоху рококо появляются первые передвижные ширмы, канапе, шезлонги и бержеры (глубокие кресла). В качестве мебельного декора применяются специальные накладки с узорами и резьбой, покрытые бронзовой краской. Богатство украшений на мебели в виде вьющейся лозы, цветочных гирлянд, фигурок птиц только подчёркивает стиль.

Камерность - это главное для стиля рококо. В обстановке должно быть всё, что приятно глазу, что вызывает удовольствие. Легкомысленная эпоха рококо утопала в иллюзии вечного праздника, рассматривая себя в венецианских зеркалах будуаров. Их размещали повсюду: на стенах и потолках, ставнях и створках комодов. Мода рококо оставила самый заметный след в предметах интерьера и аксессуарах. Именно в эту эпоху возникает идея целостного ансамбля в оформлении интерьера: стилевого единства здания, декора стен, потолков и мебели. Рокайль (завиток) и картель (композиция из рокайлей) - основные черты стиля.

Изобилие аксессуаров - неотъемлемая часть рококо. Здесь и различные фарфоровые статуэтки, и гобелены, картины и зеркала, подушечки и пуфы, расшитые шёлком, ширмы. Все эти приятные мелочи придают уют и комфорт помещению.

Стиль рококо впервые в истории культур воздвиг удобство и комфорт в ранг искусства. В современном дизайне его можно использовать подетально, сочетая с другими стилями. Атрибуты рококо легко впишутся даже в небольшую комнату, сделав её уютной, по-домашнему тёплой. Цветочные скатерти, обои, занавески, подобранные в тон обивки мебели, различные вещицы из фарфора и керамики украсят любое помещение, будь то спальня или гостиная, кабинет или столовая. А если в интерьере появятся предметы мебели в этом стиле, да ещё и лепнина на потолке и стенах, - комната будет выглядеть роскошно и изысканно.

Популярность рококо не угасает с годами. И пусть даже сейчас он используется не в чистом виде, а в комбинации с другими стилями. Это даже приумножает его популярность. И говорит о востребованности вне зависимости от современных тенденций.

 

ЛИТОГРАФИЯ - РИСУНОК НА КАМНЕ

 

(от др.-греч.  "камень" +  "пишу, рисую") - способ печати, при котором краска под давлением переносится с плоской печатной формы на бумагу.

Ли­то­графия была сзда­на в 1796 году (по дру­гим дан­ным в 1798 году) Ало­изи­ем Зе­не­фель­де­ром в Бо­ге­мии, и это была пер­вая прин­ци­пи­аль­но новая тех­ни­ка пе­ча­ти после изоб­ре­те­ния гра­вю­ры в XV веке. Ли­то­гра­фия доволь­но быстро при­об­ре­ла огромную по­пу­ляр­ность. Ко вто­рой чет­вер­ти XIX века для из­го­тов­ле­ния книж­ных ил­лю­стра­ций при­ме­ня­лась в ос­нов­ном ли­то­графия.

На от­шли­фо­ван­ную пла­сти­ну камня, обычно плот­но­го и од­но­род­но­го из­вест­ня­ка с по­мо­щью жирного литографско­го ка­ран­да­ша и/или жир­ной ли­то­граф­ской туши на­но­сит­ся исход­ное изоб­ра­же­ние.

После на­не­се­ния ри­сун­ка по­верх­ность камня слег­ка про­трав­ли­ва­ет­ся кис­лот­ным со­ста­вом. Про­трав­лен­ные участ­ки легко сма­чи­ва­ют­ся водой, но от­тал­ки­ва­ют ли­то­граф­скую крас­ку, а на места, где был на­не­сен жи­ро­вой ри­су­нок, легко при­ли­па­ет крас­ка, но они не сма­чи­ва­ют­ся водой.

Ли­то­граф­ский ка­мень за­креп­ля­ет­ся в ли­то­граф­ском стан­ке. Ис­ход­ное изоб­ра­же­ние смы­ва­ет­ся. Вза­мен ва­ли­ком на увлаж­нен­ный ка­мень на­но­сит­ся пе­чат­ная крас­ка на ос­но­ве олифы, при­ста­ю­щая лишь к непро­трав­лен­ным ча­стям камня, в точ­но­сти со­от­вет­ству­ю­щим ри­сун­ку. Бу­ма­га по­сред­ством ли­то­граф­ско­го стан­ка плот­но при­жи­ма­ет­ся к по­кры­то­му крас­кой ли­то­граф­ско­му камню или пла­стине (про­ка­ты­ва­ет­ся или "про­тас­ки­ва­ет­ся"; во вто­ром слу­чае, ис­то­ри­че­ски - пер­вом, изоб­ра­же­ние пе­ре­тис­ки­ва­ет­ся с камня на бу­ма­гу бла­го­да­ря за­дан­но­му дав­ле­нию, ока­зы­ва­е­мо­му на пе­чат­ную плос­кость т. н. ре­бе­ром через сколь­зя­щие под ним папки). Таким об­ра­зом, на от­тис­ке ри­су­нок по­лу­ча­ет­ся по­кры­тым крас­кой, а фон оста­ет­ся белым.

В на­сто­я­щее время ли­то­граф­ский ка­мень прак­ти­че­ски по­все­мест­но за­ме­нен на ме­тал­ли­че­ские пла­сти­ны из-за боль­шей лег­ко­сти об­ра­бот­ки.

Для цветной литографии подготавливаются отдельные камни или пластины для основных цветов и черного цвета, и печать производится на один лист последовательно. Есть и другие способы создания изображения, которые можно комбинировать между собой.

Если художник самостоятельно наносит рисунок на литографский камень, сама техника и полученный оттиск получают название "авторская литография", или "автолитография". В противном случае художник, как правило, выполняет только рисунок, а обработку камней и процесс печати осуществляет мастер-печатник.

Литография имеет очень много разновидностей, например, литохромия,  литогравюра. Но теперь все литографические техники чаще всего имеют общее название - "литография". Сегодня, спустя двести лет, мало что изменилось в технике литографии. Разве что камень практически повсеместно заменили алюминиевыми и стальными пластинами - по той причине, что природные камни очень тяжелы.

Ли­то­гра­фия об­ла­да­ет боль­шой сво­бо­дой в пе­ре­да­че фак­ту­ры и в дру­гих сред­ствах ху­до­же­ствен­ной вы­ра­зи­тель­но­сти, при­чем каж­дый от­тиск яв­ля­ет­ся ори­ги­на­лом и имеет са­мо­сто­я­тель­ную ху­до­же­ствен­ную цен­ность. Ав­тор­ская ти­раж­ная гра­фи­ка вы­пол­ня­ет­ся все­гда огра­ни­чен­ным ти­ра­жом, о чем сви­де­тель­ству­ет ну­ме­ра­ция каж­до­го от­тис­ка ти­ра­жа, обя­за­тель­ная для ори­ги­наль­ных ли­то­гра­фий. Каж­дый лист ли­то­гра­фии яв­ля­ет­ся под­лин­ным ав­тор­ским про­из­ве­де­ни­ем, о чем сви­де­тель­ству­ет  под­пись ав­то­ра.

 

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТЬ ОФОРТА

 

Офорт представляет собой своеобразный вид гравировки на металле и техники станковой глубокопечатной графики. В процессе изготовления гравюр поверхность металлических пластин протравливается кислотами. Название этого способа - офорт - происходит от слова  "eau forte", что в переводе с французского означает "сильная" или "крепкая вода" - так называлась в те времена азотная кислота.

Гравирование по металлу в традиционной манере занимало массу времени. Для того, чтобы сделать одну страницу, мастеру требовалось несколько недель, а то и месяцев. Вот почему художники - граверы все время искали способы упрощения техники для  облегчения этого трудного дела.

Первые образцы офортов датируются 1501-1507 годами. Их автором стал Даниэль Хопфер. Спустя несколько лет гравер из Швейцарии Урс Граф сделал несколько офортов, и именно его впоследствии стали считать родоначальником данной техники.

В 1515-1518 годах Альбрехт Дюрер, владевший искусством офорта в совершенстве, создал шесть известных рисунков на металлических досках, одним из которых является изображение пушки на фоне живописной природы.

Основой техники изготовления офорта является нанесение на пластину из металла специального лака, который выдерживает воздействие кислот. Сверху лака с помощью остро отточенных инструментов мастер процарапывает изображение гравюры.

После этой процедуры металлическая пластинка обрабатывается кислотой, которая вытравливает рисунок на металле. Далее остатки лака счищаются с поверхности пластины.

Делать это было значительно легче, чем резать глубокие штрихи штихелем. Затем по краям пластины делали невысокий бортик из воска, чтобы получи лось корытце. В него наливали крепкий раствор азотной кислоты. Там, где игла соскребала с металла лак, кислота протравливала штрихи рисунка. Затем форму отчищали и печатали обычным способом.

В процессе печатания иллюстрации краска наносится на пластину, и задерживается исключительно в протравленных углублениях. На бумаге же остается яркий, точный оттиск - и именно поэтому офорт является видом глубокой печати.

Этими способами нанесения рисунка на металлическую поверхность  продолжают пользоваться многие художники сегодня. Изображения, выполненные в технике офорта, отличаются изяществом и особенной стилистикой, которая так ценится многими поклонниками офорта. Картины некоторых современных художников, выполненные в технике офорта, станут настоящим украшением абстрактного интерьера.

Техника офорта характеризуется значительной сложностью и разнообразием изобразительных приемов и манер. Так, среди самых известных и распространенных офортных манер можно назвать следующие  - травленый штрих - одна из основных техник выполнения офорта, которая заключается в нанесении изображения на металлическую поверхность путем травления кислотами. Характеризуется богатством средств художественной выразительности.

Мягкий лак - техника офорта, в которой грунт сначала смешивают с жиром, благодаря чему материал приобретает мягкость и легко отделяется от основы. Далее загрунтованная форма покрывается зернистой бумагой, а далее на нее наносится рисунок твердым карандашом.

Сухая игла - еще одна техника гравировки, в процессе которой изображение наносится путем процарапывания отдельных штрихов на металле. В этом случае травление кислотами не используется. Полученное изображение является формой глубокой печати.

Меццо - тинто - так называемая "черная манера" офорта. Главным отличием данного приема является выглаживание светлых мест на зерненной доске. Изображение создается с помощью правильной подобранной градации светлых участков на темном фоне.

Карандашная манера - представляет собой разновидность пунктирной манеры создания углубленного изображения на металле, которая имитирует рисунок карандашом или углем. Характерные для данной техники эффекты достигаются путем нанесения пятен или штрихов, наносимых на заранее загрунтованную пластину, которая впоследствии подвергается травлению

Резцовая гравюра - представляет собой старейший вид гравировки на металле. Рисунок наносится на поверхность медной доски резцами - штихелями с заостренным концом. После этого поверхность доски тщательно очищают шабером - гладилкой, убирая все лишние стружки. Далее углубления заполняют краской и равномерно распределяют ее, прокатывая валиком. Затем удаляют краску с гладких поверхностей, и делают оттиск. Так получается качественное изображение в технике глубокой печати.

 

НАТЮРМОРТ - ВРОВЕНЬ С ДРУГИМИ ЖАНРАМИ

 

(от фр. nature morte - "мёртвая природа") - изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в "Триптихе семейства Брак" Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию - либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо - в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов - в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. "Малые голландцы" отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин "застывшая жизнь" (голл. stilleven, нем. Stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: "Маленький завтрак", "Букет цветов", "Охотничий трофей", "Суета сует". Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе - "тихая, неподвижная жизнь".

А в России натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в начале XVIII века. Представление о нём первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца XIX века натюрморт, в отличие от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Начало XX века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В 1930-1940-е годы это развитие приостановилось, но уже с середины 1950-х годов натюрморт переживает в живописи новый подъём и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

 

НЕЦКЕ

 

Японские резчики занимают исключительное место в выделке мелких резных фигурок, к которым принадлежат так называемые netzuke. Нецке, эти похожие на пуговку вещички, время от времени носились всем зажиточным классом и служили для прикрепления к поясу кошельков, разных приборов, баночек для лекарств и т. п. Они делались самых разнообразных форм и из различных материалов, но среди последних слоновая кость занимает видное место. Многие европейские собрания, специально посвященные этим вещицам, дают нам ясную картину неиссякаемой творческой фантазии, изумительного разнообразия сюжетов и чудной техники японцев; и ни один другой предмет в истории искусства, за исключением, разве что европейских табакерок, не дает такого полного отражения физической и духовной жизни народа, как именно эти нецке, в которых отражаются религия, история, политика, поэзия, литература, предания, юмор, работа и быт целого народа. Любовь и ненависть, сатира и насмешка, возвышенное и низменное, героическое и обыденное - все находит свой отзвук в этих крошечных вещицах. Часто они встречаются потемневшими, - по воле мастера или от времени, - но всегда отличаются замечательной полировкой, и все их стороны отделаны одинаково тщательно. Эти крошечные скульптуры дают неисчерпаемый источник тому, кто хоть раз попытается проникнуть в душу японцев, которая нам так же мало знакома, как душа китайцев, как будто оба эти народа - жители другой планеты.

 

СЛОНОВАЯ КОСТЬ

 

С древнейших времен в художественной промышленности слоновая кость играла важную роль. По цвету, тонкой и плотной структуре и значительной твердости она всегда представляла собой один из прелестнейших материалов для художественных работ. Она одинаково ласкает и глаз, и осязание, а инстинктивная уверенность в её прочности и ценности еще больше усиливает производимое ей приятное впечатление. Цвет слоновой кости - целая гамма нежнейших тонов от ослепительно белого до желтоватых, красноватых и зеленоватых. В некоторых оттенках он напоминает теплый тон человеческой кожи, с которой издавна часто сравнивается. Возможно, что именно благодаря этому свойству слоновая кость - как и коралл, всегда так высоко ценилась: ведь из всех прочих материалов лишь эти два вызывают представление о живом человеческом существе. Ключ к этим смутным ощущениям следует искать в тех бессознательных ассоциациях, которыми порождается не определенная мысль, a, скорее, чувственный рефлекс. При этом слоновая кость напоминает не человеческую кожу вообще, а лишь кожу людей, физически совершенных, прекрасных, юных и здоровых, вызывая представление о классических формах, прекрасных женских плечах и нежных руках.

Использование слоновой кости для художественно-промышленных целей издавна было весьма разнообразно. Начиная от интарсий для мебели, отделки стен, дверей и шкатулок до целых скульптур и невероятно мелких и тонких вещиц, слоновая кость применялась для всевозможных предметов роскоши и обихода.

Никакой другой материал не является в такой степени подходящим для токарных и резных работ. Строение слоновой кости из концентрических или взаимно пересекающихся слоев препятствует образованию трещин, как это бывает в дереве, а плотность позволяет выработку удивительно тонких слоев до почти полной прозрачности.